FICG 30

PREMIO MEZCAL

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El aula vacía (Flavia Castro, Mariana Chenillo, Pablo Fendrik, Carlos Gaviria, Tatiana Huezo, Lucrecia Martel, Nicolás Pereda, Eryk Rocha, Pablo Stoll, Daniel Vega & Diego Vega, 2014)

El filme es una compilación de diez cortometrajes sobre el problema de la deserción escolar en el contexto latinoamericano. En apariencia, estamos frente a una pieza propagandística de las actividades políticas y económicas que el Banco Interamericano de Desarrollo ha llevado a cabo respecto al tema; que cada narración esté acompañada (de manera innecesaria) de alguna cifra estadística sólo puede explicarse bajo esa lógica. Sin embargo, la variedad de realizadores involucrados en el proyecto garantiza que el debate sobre la educación se aborde desde distintas sensibilidades y experiencias. El resultado es disparejo, desde luego. Mientras algunas historias denuncian las cuestiones sociales y culturales que circundan el problema (la situación de violencia, la disparidad de género, el abuso físico, o la indiferencia de las autoridades), me parecieron más interesantes las que exploran la relación entre la juventud y el ímpetu por desenvolverse con plenitud en el mundo. En este sentido, rescato los trabajos de Martel, Pereda, Chenillo, Castro y Rocha, que considero los más experimentales y los mejor logrados. Pienso que algunos de estos cortos pueden cobrar mayor fuerza estética si se presentan como obras individuales, que como parte de un mosaico de información. HH

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La delgada línea amarilla  (Celso García, 2015)

Me produce cierto estupor que una película tan minuciosamente cuidada esté definida por un guión soso y anodino. La historia consiste en cinco hombres que están empleados para colocar las líneas amarillas de una carretera, aunque la atención está sobre todo en la continua tensión entre el más joven de ellos, un muchacho heroico e idealista, y el encargado en jefe, un hombre arrogante y pisoteado por la vida. Con su ópera prima, el realizador Celso García demuestra una enorme habilidad en la composición visual y en el manejo de la elipsis para producir humor y ritmo. El escenario desértico en que se encuentran los personajes se presta a ciertos momentos líricos (como la súbita manifestación religiosa en medio de la nada), además que permite una fotografía refinada y aprehensiva. El problema es que muchas de las situaciones del filme se desarrollan con una atosigante superficialidad. Los diálogos son reiterativos, rígidos o terriblemente aleccionadores. La historia abusa de las supuestas metáforas detrás de las imágenes (parafraseo: “en la vida necesitamos guías, como estas líneas que pintamos”), y hace que se diluya la emoción en el espectador. Una puesta en cámara tan bien pensada requería un mejor tratamiento narrativo. HH

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600 millas (Gabriel Ripstein, 2015)

Aunque Ripstein evoca los temas tan recurrentes en nuestra cinematografía (el narcotráfico, la frontera, el tráfico de armas, la violencia social, o el abuso de las autoridades), en lugar de señalar o denunciar, los acopla al suspenso y a la historia personal que se construye en el filme. El protagonista pasa por la exigencia de su entorno de “hacerse hombre”, tanto por la mafia familiar a la que pertenece, como por el agente de armas estadounidense que secuestra para llevárselo a México. Esta demanda da cuenta de las visiones generacionales y culturales alrededor de la masculinidad y la violencia. Ripstein demuestra un trabajo de cámara formidable, en donde predominan los planos secuencia, y en donde la tensión se forma de manera casi invisible pero siempre punzante. Parte de este impacto está en que mantiene el plano en los momentos indicados, a veces con una atención hacia lo cotidiano, a veces con elipsis que irrumpen y golpean. Presenta, además, una puesta en escena compleja, en donde las diferencias de idioma quedan desdibujadas, y en donde queda la incertidumbre si los personajes encontrarán solidaridad entre ellos o simplemente se abandonarán a su suerte. Me parece que el filme es la reivindicación de una tendencia muy particular del cine mexicano, que abordan temas sórdidas pero con mucha finura estilística. Sin ser un gran película, se siente promisoria frente a filmes similares como los realizados por Michel Franco o Gerardo Naranjo. ¿Estaremos acaso frente al filme mexicano del año? HH

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Ella es Ramona (Hugo Rodríguez, 2015)

La comedia mexicana sigue siendo el género favorito de las audiencias nacionales. Quizá por eso pienso que Ella es Ramona, pese a tratarse de un filme ligero, podría tener buena suerte en asistencia. Cercana a la comedia de situaciones, la película relata la historia de Ramona, una mujer que intenta anteponerse a los prejuicios que la rodean por su sobrepeso y parecen determinar su suerte laboral, amorosa y familiar. Narrada desde la primera persona, esto es, durante toda la historia escuchamos la voz de Ramona en off —recurso que puede resultar un poco cansado— la película se resume en una moraleja simplona: la felicidad la decide y construye cada uno. Se trata pues de una comedia que se acerca al género de la autoayuda, ese lugar que tanto complace la angustia aspiracional que se resuelve en la famosa fórmula “el hombre que se hace a sí mismo”. Un trabajo nada extraordinario. Si la comedia es el género mexicano más asistido, yo sigo esperando ese pequeño salto en la calidad cinematográfica que nos entregue comedias con una mejor realización. CA

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Cuando den las tres (Jonathan Sarmiento, 2014)

Uno se pregunta cómo puede haber una película tan mala en un festival de cine. Se puede esperar eso del circuito de distribución y exhibición de grandes públicos, pero no de un festival que presume calidad. O quizá la pregunta sea demasiado ingenua. En cualquier circuito existe cine de mala calidad.  Cuando den las tres intenta —sin lograrlo, sin lograr nada, en realidad— poner de manifiesto las consecuencias de los grupos de autodefensa que ha emergido tras un Estado incompetente que no puede ofrecer seguridad a sus ciudadanos. Dos secuestradores discuten entre sí, casi al borde de la locura, escondidos en una casa a mitad de las montañas, mientras en una habitación yace una niña amordazada. Se trata de un argumento adaptado de una obra de teatro española que lleva el mismo nombre. El primer problema es que la adaptación está mal lograda. La construcción de los diálogos arrastran una teatralidad impostada. Después se viene una lista de malas decisiones: malos planos, construcción de personajes planos, desnudos innecesarios, denuncia de un problema social de manera muy panfletaria, problemas de edición y audio. A veces el cine, sin importar el circuito al que pertenece, llega a la exhibición por motivos ajenos a la calidad cinematográfica. Cuando den las tres es prueba de eso. CA

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El Jeremías (Anwar Safa, 2015)

Puede que resulte un tanto simplona para quienes esperan sofisticación en el cine mexicano, pero confieso que la película me contagió su encanto y alegría. La historia es sobre un niño pequeño que se descubre superdotado y que, en afán de encontrar a alguien que lo entienda y valore, viaja a la capital mexicana para desarrollar sus talentos. Si bien la noción que hace la película sobre la inteligencia y el genio es una mera caricatura, un pretexto para establecer una fábula sobre la diferencia y sobre el conflicto de clase, me parece que no cae en lo ridículo, o en lo irritante. Las respuestas incultas que hacen los padres frente a la excentricidad de Jeremías se emiten con cierta ingenuidad y frescura. La dinámica entre los personajes remite a las comedias clásicas del cine mexicano, centradas en los reclamos constantes que se hacen entre los integrantes de una familia. Quizá faltó un trabajo de dirección menos chato para “elevar” la calidad del filme, pero asegurar eso me parecería una enorme ironía. En lo personal, disfruté que el filme se saliera del cansino escenario urbano, y ubicara la historia en la provincia del país. El acento sonorense-culichi con que hablan los personajes es un buen acompañante al sentido del humor de la historia y de las situaciones. Una película curada, pues. HH

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Tras Nazarín: el eco de una tierra en otra tierra (Javier Espada, 2014)

Entiendo que la iniciativa del documental surge a partir del descubrimiento de un archivo fotográfico que el mismo Buñuel realizó para encontrar locaciones para el filme Nazarín (México, 1959). Parte de este archivo se visualiza en el documental, y se le contrapone con cómo se ven tales escenarios en el presente. También entiendo que poner énfasis en las locaciones de la película sirve para crear paralelismos entre México y España, y reconocer que Buñuel intentó en sus películas recrear las atmósferas aragonesas en nuestro país. Pero me parece que el documental omite rápidamente esos objetivos y termina reivindicando lo que siempre se ha dicho sobre el filme y sobre el director. Se recuerdan los momentos estelares del filme: la imagen de la niña arrastrando la sábana blanca, el personaje del enano, la interpretación de Paco Rabal, la frase “Cielo no, Juan”, y ese desenlace con la piña tan nihilista y esperanzador a la vez. El documental es un buen pretexto para revisar la obra de Buñuel, pero siento que falta poner el diente en el mito artístico que se ha construido alrededor del director, y buscar nuevas perspectivas más allá de las que ofreció el grupo Nuevo Cine. HH

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Con el alma en una pieza: la leyenda de El Personal (Jorge Bidault, 2015)

Como desconozco la historia del grupo tapatío El personal, es posible que se me escaparan muchos de los rumores que aclara de forma implícita el documental. Propongo que sea trabajo de los críticos musicales o los periodistas culturales reconocer la veracidad de las declaraciones vertidas por los entrevistados o la narración en off que funciona como eje discursivo. Pero incluso sin saber el contexto del grupo, queda claro en la película que los resentimientos que provocaron su desmantelamiento siguen vigentes, y que existe un esfuerzo desde el presente de enmarcar esas heridas. La pluralidad de voces, el archivo audiovisual, y el tipo de montaje con que están articuladas funcionan sobre todo para contrastar y sopesar la visión de sus protagonistas. Sin embargo, aunque la crónica que se elabora del grupo se sostiene por una narración fluida y sólida, y el acompañamiento musical es un deleite, ciertas carencias en el trabajo de producción reducen la calidad de la película. Aunado a eso, algunos inserts de la ciudad de Guadalajara aparecen en momentos innecesarios, y sólo alimentan ese retrato rígido que se tiene de la ciudad. Me cuestiono si cierta obstinación hacia lo tapatío que expresan los entrevistados hace que el documental carezca de relevancia fuera de los circuitos locales. HH

Shih ApartamentoCine

Shih (Bruno Zaffora & Rafael Ortega Velderrain, 2015)

Hay varias cosas peculiares en esta película. Primero, que el abordaje de la protagonista, una chica venezolana-taiwanesa que viaja a Taipei para reencontrarse con su padre, se formula desde una mirada personal. Resalta el escenario doméstico en que suceden la mayoría de los diálogos y las situaciones, espacio que se presta a la confesión y a la intimidad. Da la sensación de estar asomándose en los videos caseros de una familia que se prepara para afrontar un conflicto inevitable, para desatorar un malentendido del pasado. Segundo, que el desarrollo de los eventos corresponde a la intuición de los personajes. Las conversaciones entre madre e hija sobre lo que la chica encontrará en su viaje repercuten con fuerza cuando la protagonista se percata de su enorme parecido con esa figura ausente que fue su padre, y cuando la expectativa de acoplarse a una cultura completamente distinta termina cumpliéndose. Aquí el documental asume forma de un diario de viaje, pero uno entretenido y con personajes curiosos al cual adherirse. Tercero, la forma tan suelta en que los realizadores se acomodan como personajes secundarios de la historia. El entusiasmo que exhiben en pantalla de “estar haciendo un documental” se les termina revirtiendo, y provoca un conflicto que no es tan ajeno al de los padres de la chica. Si bien el documental anticipa una historia de reencuentro, al final resulta ser de una separación. HH

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LARGOMETRAJE IBEROAMERICANO DE FICCIÓN

Venecia ApartamentoCine

Venecia (Kiki Álvarez, 2014)

Podría describir al filme como una historia sobre tres mujeres cubanas que se van de rumba, pero ciertas decisiones que ocurren a nivel estético y que aparecen en momentos centrales de la película suscita a que estemos frente algo más. La historia da pie a observaciones sobre el universo femenino: la forma tan fluctuante de ejercer su sexualidad, las tensiones suscitadas por el machismo, las aspiraciones alrededor de la belleza, o la solidaridad y camaradería entre mujeres. Pero ciertos personajes y diálogos hablan sobre las pretensiones de ser algo que en realidad no se es: así, las mujeres prefieren vino sobre el tradicional ron cubano, hablan sobre implantarse senos, coquetean con una travesti, y juegan a revelar las verdades y mentiras de su vida. En el fondo, la película es una búsqueda por una versión alterada de la vida misma (como la isla de Venecia lo sería de Cuba, quizá). Que el filme transcurra a lo largo de un día ocasiona una sensación de unidad dramática, pero también revela los contrastes de lo que acontece en el día con lo que pasa en la noche. Aunque la película me provocó curiosidad, no dejé de sentirla como ligera y mediana. HH

El-Patron ApartamentoCine

El patrón, radiografía de un crimen (Sebastián Schindel, 2014)

El filme se instala en esta tendencia del cine latinoamericano de revelar el drama social a partir de un crimen que aconteció en la vida real. Así, en la historia de un carnicero que asesinó de forma sanguinaria a su patrón, se elabora una crítica hacia las relaciones de cacicazgo y dominación laboral que imperan en la sociedad argentina, así como a la indiferencia y la burocracia con que los sistemas de justicia responden ante estas situaciones. Estamos frente a una película convencional pero eficiente, que nunca esconde su intención de posicionarse a favor de un protagonista agobiado por la pobreza, la culpa y la sumisión. El montaje paralelo con que está narrado el filme permite momentos de enorme impacto. En una escena, la recreación verbal del asesinato propicia una anticipación que detona con creces cuando finalmente se visualiza el homicidio. Más que la conmoción por la agresión física, es la bruma moral lo que vuelve tan difícil ese momento. HH

Choele ApartamentoCine

Choele (Juan Sasiaín, 2014)

En el escenario de un pueblo argentino, un niño se preocupa porque la nueva novia de su padre supone un reacomodo en su dinámica familiar. Aunado a ese conflicto, acompañamos al niño en el descubrimiento de la vida adulta, pero el filme lo retrata con un penoso tradicionalismo: la forma en que el padre enseña al hijo a atraer la atención de una mujer, por ejemplo, es terriblemente ajena a las nuevas formas de relacionarse en pareja. También, la supuesta vida tranquila en el campo se muestra más bien como ingenua y parsimoniosa, como si fuera un micromundo ausente de influencias externas. Un director más atrevido hubiera presentado la perversidad detrás de esa aparente luminosidad. No dejo de pensar que detrás de la atracción que siente el hijo hacia la mujer de su padre existe en realidad una intención mucho más mezquina, pero la película resuelve el conflicto con un simple gesto afectivo entre hombres, un gesto patriarcal. Aunque el filme puede generar interés en un público que busca historias aspiracionales, en lo personal me pareció anticuada y carente de relevancia. Incluso la belleza de su fotografía peca de ese preciosismo que asfixia la película. HH

O-outro-lado-do-paraiso ApartamentoCine

O outro lado do paraiso (André Ristu, 2014)

Me resultó una decepción que una cinematografía tan potente como la brasileña tuviera una sola representante en la competencia iberoamericana. Mayor fue mi desencanto cuando la aludida es un filme de medio pelo, una actualización para grandes públicos sobre un período doloroso del país. El filme es una adaptación de un libro infantil que se publicó a principios de los ochenta, y relata, desde la mirada de un niño, los momentos previos al inicio de la dictadura militar. Aunque los personajes y las situaciones transcurren en la cotidianidad de una familia, el relato se configura como político cuando da cuenta de los problemas de la modernización y urbanización que se vivieron en esos años. Brasilia, que en la película aparece en sus primeros años como capital brasileña, resulta un escenario problemático para la memoria, una ilusión que terminó colapsada por la transición de la democracia a la dictadura. Aunque el discurso que ofrece el filme me pareció atrayente, la forma y estilo del filme adolece de interés. El recurso de la voz en off delata que esta versión no se desprende por completo de la obra literaria que la origina, y hace de la narración un tanto rígida y moralizante. El registro documental que se emplea para contextualizar el momento histórico está en disonancia con la historia personal de los personajes. Además, la visión que hay sobre la infancia y la historia es arcaica y poco estimulante. Creo que esta premisa sobre las dificultades íntimas y familiares causadas por la dictadura se mostró mejor en la película de Cão Hamburger O ano em que mais pais saíram de férias (Brasil, 2006). HH

Aurora ApartamentoCine

Aurora (Rodrigo Sepúlveda, 2014)

El filme plantea una premisa interesantísima. Una mujer lee en un periódico sobre un bebé que fue encontrado en un basurero, y que falleció a consecuencia de su abandono. La mujer intenta darle un funeral a esa bebé anónima, pero al no ser familiar o no estar relacionada con la madre biológica las autoridades le impiden llevar esto a cabo. El grueso del filme está en el proceso por el que pasa la mujer para sortear y atizar los estatutos legales, éticos, y familiares, y se vuelve climática cuando postula la idea de que la única solución es adoptar como madre a una niña muerta. Lo atrapante del filme es el movimiento que hace respecto a esta premisa; en un principio, las intenciones de la mujer parecen mórbidas o enfermizas, pero conforme presenta sus motivos y sus argumentos, revela un cálido discurso sobre la dignidad, la pérdida, y la necesidad de rendir tributo a los muertos. La mujer nombra a la niña “Aurora”, en un afán de que el nombre le otorgue existencia como persona. La trama pueda dar la apariencia de un filme que cuestiona el dilema del aborto y la maternidad, pero las palabras y la sensibilidad de la protagonista dan a entender que estamos más bien ante una historia tangencial sobre las dictaduras latinoamericanas. La figura de la madre que está en duelo por sus hijos desaparecidos o asesinados se siente con furor en el filme, pero aquí habla desde la solidaridad, de adoptar la pérdida de otros. La actriz Amparo Noguero hace un trabajo espléndido como la protagonista. HH

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LARGOMETRAJE IBEROAMERICANO DOCUMENTAL

No-todo-es-vigilia ApartamentoCine

No todo es vigilia (Hermes Paralluelo, 2014)

En un gesto sorprendente, el realizador solicitó a los (escasos) asistentes de la función de prensa a buscar otra sede para ver su trabajo. La petición estuvo acompañada de un discurso de insatisfacción por la mala calidad de proyección del auditorio, palabras que me parecieron sensatas y una grave llamada de atención hacia los organizadores del festival. Defiendo tal posición, sobre todo después de haber visto la película. Lo que presenta Paralluelo es un elaborado tratamiento visual sobre la vida de una pareja de ancianos, desde su estancia en un hospital hasta el entorno cotidiano de su hogar. Aunque el ritmo de la película es denso y flemático, y la narración parece vacía, hay un movimiento hacia el desenlace que habla sobre la dependencia amorosa, las rutinas de vida, y la necesidad constante de evocar el pasado y la biografía personal. Me recordó un poco a Amour (Austra, Francia, 2012), pero en clave más realista y menos violenta. Sin embargo, la exactitud en la composición visual y algunos movimientos de cámara me hicieron sospechar de la aproximación hacia los personajes. Es claro en la imagen que hay una puesta en escena definida y planificada. Por eso me sorprendió otro movimiento de la película, al descubrir que en lugar de un documental estamos frente a una docu-ficción, una tendencia reciente de amplia experimentación. Mi problema ahora con mi apreciación de la película es que me quedé más con los incidentes que con la película misma. Supongo que si la programación de un festival de cine promueve una reflexión sobre los límites entre la realidad y su representación ya hay algo de ganancia. HH

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Persiguiendo al dragón (Juan Camilo Olmos Feris, 2014)

El filme es un ejercicio muy básico de construcción de personaje, en cuanto a (per)seguir con recursos técnicos elementales las andanzas particulares de un individuo. El personaje en cuestión es Gus, un traficante de drogas que se dedica todas las noches a transitar en uno de los barrios peligrosos de la ciudad de Cartagena. En la mayor parte del filme se muestra la intimidad y los pensamientos de Gus, que pueden resultar atípicos para el espectador por la transparencia con que se refiere a su vida y a sus actividades. Lo vemos caminar de bar en bar, en sus conversaciones con prostitutas, y sobre todo, bailando e inhalando. Sin embargo, lo interesante del filme está en las huellas que el realizador deja de su propio proceso de filmación. Y no sólo me refiero a ciertas imágenes que expresan de forma directa el problema de la representación y el punto de vista (como un plano de un grafiti que dice “Mi realidad, ¿tu realidad?”). A la pregunta de si es problemático registrar audiovisualmente a un traficante, la respuesta de su personaje me parece emblemática, pues señala que él no dejará de mostrarse como verdadero a pesar de que lo graba una cámara. HH

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